El Amor Salvaje

Atari Teenage Riot – Old Blue Last 1 de marzo

2012-03-08T15:01:00.006Z

El jueves pasado tocaron Atari Teenage Riot en el Old Blue Last. Allí, en el corazón moderno-vicioso del este londinense. Allí, donde SÍ te ponen chupitos de Jagermeister si los pides. Allí donde la limonada que yo consumo es un sprite aguado de grifo. Un pub grande y brioso, de dos plantas, que yo descubrí antes de llegar a Londres viendo la entrevista que Ian Svenonious le hacía a Kevin Shields para Soft Focus. Más presentadores como Ian, hacían falta.

Fuimos un par de colegas y yo a reencontrarnos con nuestra adolescencia y con los mitos de lo extremo, lo massimo, lo pirámide. Nos encontramos, un par de horas antes del concierto, a Nic Endo, en la puerta de atrás. No era un tatuaje, lo de la cara. Y el tiempo corre para todos. Incluso para las bellezas asiáticas y peligrosas. Parecía preocupada. Quizá una hipoteca digital y hardcore.

Resumiendo, para quien no los conozca, Atari Teenage Riot son un grupo que nació en los noventa en Berlin. Según me sopló Rafa, ese sonido de cacerolas cayendo por las escaleras es el resultado de acelerar y amplificar al infinito ritmos de jazz y de soul, y viene a cuento como una respuesta al apropiacionismo que hacían los neonazis de la época con el tecno y derivados electrónicos, fríos y geométricos. Los Atari son ultraizquierdistas de consigna en grito y llamada a la revolución. Izquierdistas del futuro, con angustia ciberpunk y conciencia posmoderna para las subalteridades, las fragmentaciones y los pastiches. Y son, pese a la mezcla, plenamente germánicos en cuanto a firmeza, convicción y seriedad. Cuadriculados con las aristas a fuego, vaya. De la formación inicial han causado baja Hanin Elias (vive en la Polinesia y ha perdido su “voz de gritar”) y Carl Crack (murió en 2001). MC KidtroniK, es el nuevo rapero negrata y completa la tripleta global.

El día anterior habían estado en el Relentless Garage, ahora tocaba el baño de sudor en sala pequeña. Dead Wolf Club, los teloneros, eran (o al menos parecían) una banda de instituto multiétnica y mixta (como ATR!) que sonaba a Placebo y que al final se dedicaron a destrozar sus instrumentos (el guitarrista, visiblemente emocionado) ante el moderado interés del público allí congregado. Los Atari tardaron mucho en salir y yo más que emoción irrefrenable sentía el vértigo que provoca la idea de perder el último metro y tener que atravesar la ciudad en buses nocturnos. Cuando salieron certificamos que Alec Empire y Nic Endo todavía están bien buenos (la preocupación hipotecaria pre bolo de la Endo se había disipado), que la gente todavía tiene ganas de re-escenificar disturbios y consignas a pesar de no tenerlas tan lejanas en espacio y tiempo y que su propuesta no sólo se basa sino que ES una rampa al engorile a grito pelado, con sus matices cyberpunkis, políticos y metal/electrónico/hiphoperos. Sin más exigencias, unos se dedicaron a dar, otros nos dedicamos a recibir y unos terceros a habitar los márgenes mientras sacaban fotos, tomaban cervezas o simplemente observaban el espectáculo de cuerpos centrifugado. Hasta que tras muchas caídas y levantamientos, hubo una persona que no pudo levantarse y hubo que desalojar la sala, llamar a una ambulancia y dar por finalizado el concierto sin haber llegado a “Revolution Action”.

Aquí un vídeo grabado por Carlos Jrucho THE Qvek Etc., autor de las fotos (flickr.com/kidsounds), también. Un nuevo amiguito en Londres

Espectros de Barcelona

2012-03-01T16:21:00.007Z

Espectros son cuatro bandas de Barcelona que han grabado un disco compartido. Está jodido molar más que estos cuatro grupos de Barcelona. “Espectros” por la oscuridad, por el humillo intangible de misterio que los coge por las axilas y los deposita en el mismo vinilo, mp3 320kbps o archivo FLAC. Por 10/12€, dependiendo de vuestro interés en ir a verlos en concierto a Barcelona el 10 de Marzo. Haceos con él AQUÍ

Uno de los cuatro grupos es Capitán (en blanco y negro, arriba), proyecto dark-cumbia de mi admiradísimo Adrián de Alfonso. Guitarrista anguloso, experimentador audaz, connoisseur de lo que vale la pena conocer, Adrián de Alfonso ha sido una gran inspiración para mí, ya sea vía musical (en Veracruz, Bèstia Ferida, Don The Tiger, etc.), ya sea verbal (fotolog, rockdelux) o ya sea en cuanto a camisas. Espectaculares camisas. Unas camisas que son una declaración de principios. Seguimos en la lucha, Adrián. Cacho Salvador, de Extraperlo, pone bajo y voz a este pop turbio, europeísimo y exótico a un tiempo. Pinchad abajo en el primer tema del disco: "La máquina de los sueños" (referencia a Gysin y a Burroughs, de regalo)

Viva Ben-Hur me recuerdan a Thelematicos, con menos Syd Barret y más Residents, supongo. Miniaturas twist, tecno-pop o pospunk élfico, dependiendo del prisma por el que se mire. Todo esto es muy impresionista, claro. Escribo bajo el efecto de una primera escucha muy estimulante. Haced click en "Cabeza de huevo" y ya me decís.

Arponera son pop de adivinanza futurista, con deje subnor en las voces y letras inconexas de fantasía y mala baba. Guitarra, bajo y guitarra construyendo escaleritas de Escher. Pop nerd y poco convencional rollo Young Marble Giants en maleducado o Beat Happening. Nada que ver con los subyugantes y aromáticos Esclarecidos. "Hepatitis", en el reproductor de abajo.

Si alguno de estos grupos subyuga y aromatiza como los Esclarecidos, ese sería Villarroel (en la foto). Vamos a forzar la comparación. Su mejor tema, Pesca de la Langosta, comparte con Arponera (la canción) referencias pesqueras a una vida mejor y más exótica, chorus, ritmo balada rock clásica (de esas que coleccionaba David Lynch) y cierta ruptura de diques hacia el frenesí de los sentidos cuando entra el estribillo. El vozarrón de Cristina Lliso se ve aquí reemplazado por una inflexión sexy-somnolienta y desorientada de Elsa de Alfonso. El saxo aquel se minimiza en una fría corriente del sintetizador este. La guitarra perezosa y elegante predomina. He leído por ahí menciones a Girls, The Drums y cosas más o menos hipsters y soleadas. A mí me han parecido mejores.

&lt;a href="http://espectros.bandcamp.com/album/espectros"&gt;Espectros by Espectros&lt;/a&gt;

Unicornibot - Dalle!

2012-02-06T23:34:00.001Z

**Foto de David Tombilla**

Unicornibot siguen bombeando, pum pum, sangre y técnica. Grupo idílico de libro, como yo los veo. Jóvenes ingenieros trabajando en el laboratorio que salen por la tarde y se comportan como animalitos de la jungla. Esa combinación de informático nerd y chaval musculoso que suspende todas menos Educación Física es irresistible. A mí en particular, que no me llama especialmente el math-rock y demás variantes sesudas y llenas de quiebros, lo que me hace amar a Unicornibot es la pura energía que demuestran en directo y que queda aquí capturada gracias a la magia de la grabación analógica en los Estudios Brazil.

Por esta vía selvática van conectados a Za!, gorilillas catalanes. Por la vía del amor albiniano se dan la mano con los zaragozanos Picore. A los madrileños The Joe K-Plan los tienen de espejo y amor mesetario. Con los valencianos Betunizer tienen en común una seriedad y un aplomo dentro del surrealismo y el descuajeringue que yo atribuyo a ese arco de influencia pepero-agresiva que une Valencia y Galicia. Efectivamente, como ya habréis intuido, Unicornibot sujetan esta esquina de España.

Y la sujetan como la sujetaban antes, cambiando sólo sutilmente algunos de sus engranajes, aportando más color y más profundidad. Siguen ahí los arabescos, pero ahora, a veces, parecen más árabes (“Dalle que non mira”). En “Pum pum como una piedra” los diálogos de guitarras se ven liberados por el portentoso bajismo y se permiten entenderse y desentenderse con más libertad. Un poquito más de espacio, noto ahí. Cuando se ponen de acuerdo permiten que sea el bajo el que gambetee, mientras que la batería, durante todo el disco, sale firme y elegante al tackle. Esas transiciones entre el minicaos y el maxiorden son la especialidad del equino ficticio y electrónico. Aquí acaba el segmento argentino de la reseña. “Julio Iglesias portero”, además, contiene un necesario tributo a Shellac y en “Gol de Chico” me parece distinguir un futuro más sensual y playero. No digo nada.

Patas arriba. Abriéndose. Ras. Y STOP.

Aventuras salvajes en Londres: A Winged Victory for the Sullen, Richard Youngs y Michael Chapman

2012-01-30T20:07:00.003Z

He empezado el 2012 londinense con un señorío que, sinceramente, no me merezco. De la mugre habitual he pasado a un gafapastismo lacerante, rodeado de maduros, maduras, japoneses y británicos blancos de esos que escasean por mi barrio. Juro que ha sido casualidad.

Al primer concierto (16/01) fui sin mucho interés, medio obligado (e invitado) por Yela Hoerner, que sí es un romántico y sí siente ese dolor cósmico que te conecta a maniobras como las de A Winged Victory for the Sullen (díganme prejuicioso, pero llamándose así lo llevan jodido conmigo). La cosa fue en el estupendo edificio de la English Folk Dance and Song Society, entre Camden y Regent’s Park, en una sala muy amplia, con mucha madera, mucha luz y un mural gigante y no muy bonito. Podéis ser uno con la tecnología y verlo aquí. No llegué a bajar a la cafetería, pero se rumoreaba que había ancianas encantadoras con tartas, pastelitos e infusiones. AWVFTS, abreviando, son el pianista y compositor estadounidense Dustin O’Halloran y Adam Wiltzie, de Stars of the Lid. En directo los acompaña un trío de cuerda llamado ACME. No puedo dejar de pensar en su música como en una curva uniforme, más o menos pronunciada, con más o menos detalle, pero siempre un gráfico, una linea primero horizontal y delgada y luego más gruesa y vertical, progresivamente. No es drone (zumbido) puro, que gasta también frases de notas estilo minimalista. Vaya, que combinan lo de uno con lo del otro. Pero ambas estrategias se ensamblan para el mismo objetivo, y es un objetivo que me irrita. Parece que el fin último es llegar a un sonido expansivo y más-grande-que-la-vida, pero de una manera elegante y contemporánea. Me vale el minimalismo y me vale el drone, pero no soporto esa idea de belleza grande, pulcra y... emotiva? No sé, igual es que estoy un poco tonto y necesito que me fuercen las epifanías con violencia. Lo que más me gustó, sin duda, fue el trío de cuerda, con sus timbres y su movimiento.

El segundo encuentro con la élite del mentalismo londinense lo tuve el sábado 21 en el emblemático Cafe Oto, cuartel general de la revista Wire, los estudiantes de arte orientales, el jazz, la vanguardia y típico lugar en el que si pides chupitos de Jagermeister te dicen educadamente: “Este no es esa clase de local”. Sinceramente, a mí lo que más me gusta del garito es la espectacular limonada siciliana que se gastan. Único sitio en el que no me siento estúpido cuando pido limonada. Me siento un puto dios.

Allí fuimos a ver a Richard Youngs, mobiliario clave del folk-experimental británico de los últimos 15 años. Yo había escuchado un par de discos interesantes y me pareció una buena excusa para pasar un sábado noche lo menos salvaje posible. Triunfamos. Estaba él solo y dividió el concierto en dos partes, la primera a capella y la segunda con guitarra eléctrica. Para un tío al que, según he leído, le da bastante pánico actuar en directo, lo de arrancarse a cantar sin acompañamiento debe ser una de esas decisiones autoimpuestas, forzando la máquina y apretando los puños. Sale bien, todo, sin heridos. Con un poco de sentido del humor, sus mantras pastorales se alargan lo justo como para ponerse a pensar en otras movidas y volver justo a tiempo para el final. Es más pegadizo de lo que podría parecer. No saben los monjes, ni nada. La segunda parte la construye en torno a una guitarra saturada y pesada, a medio camino del blues y del minimalismo casi metalero. Me recordó un poco a la eléctrica de Scout Niblett. La densidad de la distorsión que salía del ampli contrastaba con el sonido de la púa contra las cuerdas. Y el modo folk de su voz no variaba pese a lo monolítico del acompañamiento. Luego volvió al mantra vocálico y volvió a enumerar como un loco en su “hit” Fen Flowers. Después de un par de fen-garitos más, nos fuimos a fen-casa en el último fen-metro, desde fen-Shoreditch. Abajo, un vídeo grabado con el móvil, que se ve mal pero se deja escuchar y, bueno, da para hacerse una idea.

Si los dos conciertos anteriores os han parecido un derroche de peligro, suciedad, testosterona y violencia, con el tercero os va a dar un ataque. Fue ayer, domingo 29, en el Lexington, un pub bien pavero de dos pisos amplios, entre King’s Cross y Angel. Allí fui con Galego en Londres y con dos amigos suyos. El protagonista del evento era Michael Chapman, guitarrista folk-blues-experimental ya entrado en años, muy seguido últimamente por la Wire y muy admirado por Sonic Youth y demás experimentadores amantes de la tradición. Yo irrumpí en el local como una horda de orcos sedientos de sangre y le supliqué al camarero si me podía hacer un té. Me miró asustado. Me dijo que creía que sí. Fue a mirar. Sí pudo. Un té calentito, con el frío que hacía, qué bien.

Más que un concierto fue una celebración de la guitarra. Empezaron los escuderos. Dean Mcphee me enamoró con sus arabescos montados en telecaster y bien barnizados de reverb.

Luego apareció Daniel Day, que hace shoegaze/postrock con The Modern Painters, pero en solitario se acerca más a un Angelo Badalamenti del drone guitarrero. El tercero en salir ya fue Michael Chapman, que se sacó de la manga una pieza larga, briosa y bonita de fingerpicking que a mí, probablemente por falta de conocimiento específico, me recordó mucho a John Fahey. Yo quería más de eso, pero lo que vino después fue un ensemble de los tres guitarristas tirando más a la abstracción y a la improvisación, acudiendo al “The Resurrection and Revenge of the Clayton Peacock”, el reciente disco de Chapman comisionado por Ecstatic Peace. Los escuderos, a los lados, frotando, golpeando, acoplando y, en general, forzando sus guitarras hacia texturas poco comunes aunque casi siempre pertinentes, mientras Chapman, en el centro, parecía un poco perdido y se arrancaba con algún riff ácido filtrado por efectos digitales bastante cutres.

Para hacerse una idea:

Epifjörd Stormtrooper recomienda:

2012-01-23T20:28:00.000Z

Ojo, la amistad es lo más bello.

Llevo varias horas buscando una foto en la que aparecemos Epi y yo en una fiesta de Jalowin en casa de Tato, para ilustrar el post este. Él iba con su camiseta de Immortal y la cara maquillada a juego. Yo iba todo de verde (con la cara a juego, también), disfrazado de criptonita (iba con superwoman). Allí estábamos los dos, practicando la risa de gloria bélica sanguinaria blackmetalera. A mí, que me es bastante ajeno el género, no me queda muy convincente. Pero Epi realmente refleja la expresión de alguien que acaba de saquear e incendiar varias aldeas en la nieve. Mierda, tengo que encontrar esa foto.

Os dejo aquí, pues, la mano que me echa Epi para que esto no se me convierta en un blog de tendencias. Varios metales, alguna querencia setentera y amor por las suecas, predominan. Lo pego con el mensaje introductorio y el "y si no os gusta, que Thor os fulmine con su martillo" final.

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Juanes, te dejo mi top 10 del 2011. Va con mi canción favorita de cada disco (título entre paréntesis), y con una reseña de cada uno de ellos. Estoy seguro de que se me olvida algún disco, así que igual te mando una segunda parte. En fin, ahí va, ya me dirás que te parece:

Across Tundras - Buried Arrows (Sage 2011)

Across Tundras lo han vuelto a hacer, 7º disco desde su debut en el 2005 y continúan sorprendiendome y enamorándome como el dia que los descubrí. Sage sigue por donde acostumbran, psicodelia pura y dura en el salvaje oeste, grandes temas que nos transportan a las llanuras americanas en las que conducimos ganado o degollamos apaches a partes iguales.

Wo Fat - Bayou Juju (Noche del Chupacabra 2011)

Posiblemente, y con permiso de Graveyard, mi disco favorito de este año. Este trío de barbudos de Texas nos traen 5 mastodónticos trallazos del mejor stoner, con unos riffs tan gordos que se te cuelgan de los huevos. Psicodelia pantanosa, mezclada con litros de Jack Daniels y decenas de porros. Los Wo Fat llegan para llevarte al pantano.

Vektor - Cosmic Cortex (Outer Isolation 2011)

Slayer, Anthrax y Exodus están orgullosísimos de sus descendientes, herederos de la mejor tradición de la Bay Area, Vektor nos proponen un ejercicio de Thrash Metal a toda velocidad de los que no se veían desde los 80. Calidad y técnica a raudales en el tercer disco de estos chicos de Arizona, mil ojos a ellos.

Midnight - Necromania (Satanic Royalty 2011)

Después de varios años con EP's y Split's, llega el largamente esperado debut de esta gran banda de Ohio. Midnight es uno de esos pocos grupos capaces de convencer a punkis y a metaleros a partes iguales. Macarrismo, mala leche, cinturones de balas, chaquetas de cuero y botas con punteras

de acero por todas partes. Midnight, alumnos aventajados de Motorhead y Darkthrone, que satán os bendiga.

Graveyard - Ain't Fit to Live Here (Hisinguen Blues 2011)

Suecia, el país de los bosques eternos, hermosas mujeres de grandes pechos y tirabuzones dorados y el death metal, nos trae a una de las mejores bandas de rock de la actualidad. Rock, amigos, rock clásico y atemporal es lo que nos dejan en este su segundo disco, que me hace pensar que si se hubiese editado en la década de los 70 sería aclamado por muchos al no tener nada que envidiar a grandes como Led Zeppelin. Suecia, amigos, os presenta a su secreto mejor guardado.

Jeremy Irons & The Rantgang Malibus - IAOA (Bloom 2011)

He de decir que encaré la primera escucha de este fenomenal disco con algo de recelo, el nombre del grupo y la portada me sonaban a modernez por los 4 costados. Feliz equivocación, por el contrario me encontré con un genial ejercicio de clase y saber hacer musical, cargado de psicodelia, delicadísimos acordes y una voz de las que pocas veces se escuchan. Y, como no, de Suecia otra vez, el hogar del mejor rock de la actualidad.

Blood Ceremony - The Great God Pan (Living with the Ancients)

El fruto de una noche de pasión entre Black Sabbath y Jethro Tull, estos chicos llenan sus canciones de riffs que podría firmar el mismísimo Tony Iommi y las mezclan con deliciosas melodías hippies a base de flautas y teclados. Perfectos para organizar aquelarres y acampadas en medio del bosque.

Solstafir - Svantir Sandar (Svantir Sandar 2011)

Llegan de nuevo desde la fría Islandia los autores del mi disco favorito del 2009 (Köld). Y llegan para lo mismo, para enamorarme de nuevo, cuando me costaba creer que pudiesen evolucionar y seguir creciendo más, van estos vikingos y lo consiguen. Ya no sólo nos hacen dudar de si hacen rock, shoegaze o metal, si no que van mucho más allá, les importar un huevo las etiquetas, trascienden a cualquier estilo. A veces pensamos en Sigur Ros y otras en Burzum, pero de repente nos encontramos con Pink Floyd, estos son Solstafir amigos. Patrimonio inmaterial de la humanidad, UNESCO, a qué esperas?

Esoteric - Abandonment (Paragorn of Dissonance 2011)

Es raro que un disco de un género que me atrae tan poco se cuele en mi cabeza como lo está haciendo este Paragorn of Dissonance. No soy, ni mucho menos, un experto en las lides del funeral doom, pero este disco se mueve en mi cerebro por planos distintos a la demás música que escucho, consigue activar conexiones desconocidas, para aterrarme, desconsolarme o deprimirme según el momento.Son bestias abisales de las profundidades del metal, dejad que os visiten por las noches, que se cuelen en vuestro sueños.

Entrails - Eaten by the Dead (The Tomb Awaits 2011)

Llevaba tiempo sin escuchar un disco de death metal tan divertido como este, parece sacado de principios de los 90, cuando Entombed y Dismember reinaban en Europa. Miramos su DNI y, oh, Suecia otra vez. Un manual avanzado de death clásico sueco, disfrutadlo si os gusta el género, y si no os gusta, que Thor os fulmine con su martillo.

Las cumbres del 2011 / Se acabó

2012-01-16T17:44:00.001Z

Connan Mockasin - Forever Dolphin Love

Connan Mockasin es una persona de Nueva Zelanda, un país insular de Oceanía que se localiza en el suroeste del Océano Pacífico formado por dos grandes islas: la Isla Norte y la Isla Sur, junto a otras islas menores, destacándose entre ellas la Isla Stewart y las Islas Chatham. Tiene una piñata graciosa, en plan conejillo, el pelo rubio pajizo, una stratocaster serrada para parecer una “lágrima” de Vox (la guitarra icónica garajera por excelencia) y un disco espectacular de psicodelia pop que en directo se catapulta al infinito. Un hipster tocando como un blues-rocker. Hecatombe. En este “Forever Dolphin Love”, re-apaño del “Please Turn Me into the Snat” del año pasado, Connan revisita Canterbury a lomos de una moto que suena como Syd Barrett sobreviviendo. Abre canales paradisíacos, ácidos y opiáceos, en un proyecto de exótica indie que se autofinancia con esa habilidad para la guitarra imperialista. Bossa nova de las antípodas que se mece en bolsas de helio mirando de reojo al futuro y a Europa. En resumen, un disco como esta reseña: extraño, exuberante, pelín indigesto pero absolutamente genial.

Pj Harvey – Let England Shake

Sé que no puede existir nada de objetivo en estas cosas, es intrínsecamente imposible. Este no es mi disco favorito del año, no es al que más aprecio le tengo ni el que más me ha marcado. Pero si tuviera que elegir uno para enterrar en una cápsula del tiempo con una etiqueta del 2011, probablemente sería “Let England Shake”. Aunque, bueno, tampoco suena muy a 2011. Suena… (redoble, grito de pavor) atemporal. PJ Harvey es una pava muy valiente. No le ha temblado la mano a la hora de pasar de un terreno privado y sentimental, en el que siempre ha demostrado ser muy hábil, a una obra sobre (agárrense) su país y las guerras en las que se ha implicado. Material de Imperial War Museum. Repaso y reflexión del siglo pasado de esa que yo no me esperaría de ningún grupo español. Dios, me cuesta mucho imaginármelo. Y PJ, a la que nunca le he tenido especial afecto, lo ha hecho estupendamente bien, sin efectismos y sin clichés. Me ha parecido dificilísimo de clavar. Ejercicio de 10. Nadia Comaneci. Pabellón en pie.

(De este podéis leer más en cualquier publicación inglesa en plan “la ley”, rollo Uncut, Mojo o el Guardian)

... y, por fín...

... sí ...

... llegan ...

LOS FIERAS DEL 2011!!!

Bah, mucha pompa y tal, pero ya he escrito bastante sobre ellos, así que aquí queda, en segundo lugar, el tigre canadiense de ascendencia andaluza, envuelto, además, en gamuza.

DESTROYER - KAPUTT (pincha aquí para ver lo que pensaba yo cuando lo tenía fresco y mira abajo para el vídeo que le saqué unas semanas después).

Y el campeón de mi corazón 2011, CASS McCOMBS con sus dos discos, Humor Risk en plan escudero de lujo (pinchen en el nombre para reseña salvaje) y la cumbre: Wit's End (pinchen para reseña desconcertada). Me he quedado ya seco de epítetos rimbombantes. Escuchad esta:

O esta:

Seis discos que ya sí, han sido la bomba (pero aún queda el top 5)

2012-01-15T22:09:00.002Z

John Maus - We Must Become the Pitiless Censors of Ourselves

Ya comentado aquí, John Maus hace temas con gancho espiritual y soflamas incendiamentes. Catholic-synth-punk socialista posmoderno en tu cara. Aquí sigue dilapidando gemas a medio pulir, como en los dos anteriores. De esta cosecha me quedo con “Streetlight”, “Quantum Leap”, “Matter of fact” y “Believer”.

Fasenuova - A la quinta hoguera

La música industrial pura e inspirada, cargada de sentido desde la cuenca minera asturiana. Suman a los ruidos, a los teclados oscuros y a los recitados esotéricos un nuevo aire latinizado sabrosón que eleva las cotas de irritación hasta límites insospechados de placer/dolor. En esta entrevista dan los porqués universales del ruido con mucha naturalidad mientras pasean por el barrio.

Bill Callahan - Apocalypse

Él es mi hombre. Me da igual que marque paquete a un lado o al otro. Que use mocasines o zapatos de cordones. Hubo un tiempo en que él era El Amor Salvaje. Ahora es el Bertín Osborne del Parnaso que todos queremos ser de maduros. Temas preciosos como “Drover” o “Riding for the feeling” y temas socarrones y de guasa ácida como “America” en un buen disco del mejor escritor de canciones.

Panda Bear - Tomboy

De Panda Bear, supongo que por algún tipo de evolución de las tendencias y por cómo éstas nos destrozan el cerebro, no esperaba casi nada. Bueno, esperaba lo mismo que ya había hecho y que fue inmenso en el 2008. Pero ya no me importaba demasiado. Noah Lennox es un rey, es un mago, merezco castigos muy perros por mirar a otro lado. En “Tomboy”, como en “Person Pitch”, tenemos algo que parece imposible de encontrar: música de vanguardia que es folk de todos los continente y que irradia la empatía infinita de la buena música pop. Hay una belleza indescriptible en creer identificar patrones familiares en los temas de Panda Bear. Olas del mar, coros tribales, ciencia ficción y amor infinito.

Iceage - New Brigade

Habituales de este, su blog, Iceage son unos superadolescentes generados en laboratorios nórdicos a base de sintetizar el mejor punk y pospunk británico y el hardcore sincero y primario de los EEUU. A los de la Wire, que se flipan con la ciencia, les ha entusiasmado el experimento. A las promotoras indie de por aquí también les gustan. No le he preguntado a ningún purista punk old school. No hay mucho que odiar, la verdad. Brío, guitarras lijosas que echan rayitos, voces de mandíbula desencajada y hasta canciones, que esto ya es casi lo nunca visto. En directo empezó de mierda y acabó a hostias. Que vengan y me polinicen.

Atlas Sound - Parallax

Ejemplo diáfano de disco que quizá no sea espectacularmente bueno pero que a mí me encanta. Bradford Cox hace los temas que a mí no me salen. Es mi rollo, no puedo evitarlo. Que si un aire cincuentas, un loop de arpegios que parece el primo retra de Bach, un poco de castellano romántico para angloparlantes, enfermedad, homosexualidad, talento para el gancho pop...

Ocho discos interesantes a espera de los diez definitivos

2012-01-10T21:20:00.001Z

Momus & John Henriksson - The Thunderclown

El payaso de Momus se ve reflejado en la máxima tristeza y patetismo. Después de mil derroches de ingenio y agudeza, algunos destellos de genialidad (yo amo “The Poison Boyfriend” y todo lo de finales de los 80 está creciendo en mi corazón, despacio) y algunos (varios) coqueteos con el cutrerío y la cultura (de la huelga) japonesa, ahora ha encontrado a su Phil Spector de baja fidelidad y se ha dado un paseo nocturno y nostálgico como de personaje Disney de bajona. Patético en plan bien.

Dan Melchior - Assemblage Blues

Disco entre psicodélico, experimental y garajero del genio underground londinense. Variado y divertido aún entre los churretones de fuz y las voces triplicadas y balbuceantes. Entre su colega Billy Childish y, no sé, Current 93 de buen rollo? Este tipo se encuentra ahora en apuros por la salud de su señora. Aquí, más información y apoyo.

Maria Minerva - Sacred & Profane Love ep (si os digo la verdad, el LP no lo he escuchado)

Está todo el rollo hipnagógico que ya fue mencionado aquí pero más que eso pesa el electro-pop enfermizo/sexy de la escuela Chris & Cosey.

Low - C'mon

No iba a ponerlo pero, siendo serios, un disco de Low, en cualquier situación, tiende a cagarse en el 98% del resto de producción musical popular del año. El disco es como son ellos siempre: elegante, terso, grave e inspirado. Estamos muy mal acostumbrados. Pedazo de vídeo con John Stamos, además.

Kurt Vile - Smoke Ring for my Halo

En este caso, se cuela un disco aquí que no ha cumplido con mis expectativas. Es que mis esperanzas para este disco de Kurt Vile no eran realistas. Lo siento, Kurt, no eres tú. Soy yo. Después de las gemas de sus discos de “habitación”, del traqueteo subyugante del “Childish Prodigy” y del (opino) mejor tema de acústica y voz a pelo del último año con “Now I got Religion”, lo que yo esperaba era el disco definitivo que regenerara la capa de ozono. El disco que al darle a play emitiera ultrasonidos a larga distancia que torturarían a Iñaki Urdangarín. El disco que hiciera explosionar la diputación de Ourense. Pero sólo es un muy buen disco. “Baby’s arms” y “Peeping Tomboy” son maravillas de fingerpicking somnoliento, “Jesus Fever” es un clásico instantáneo y luego hay un par de temas un poco más pesados que me han pillado a pie cambiado y me han devuelto a la realidad.

Circle of Ouroborus - Eleven Fingers

Un grupo de suavísimo black metal atmosférico con sintetizadores circulares muy en plan el Oneohtrix Point Never del “Rifts”, pero más cutres. Ritmos lentos y voces lejanas y desesperadas que no se parecen a lo de Slint pero, ya veis, por algo lo habré puesto. Les presté atención por sus referencias al esoterismo para iniciados, pero me enamoraron por lo cuco de su propuesta. Ni guitarras, ni velocidad. Pequeño agobio y mareo distante. Desorientación en la nieve con zumbido en los oídos tras ritual pagano.

Real estate - Days

Maravilloso indie sfumato de estos chicos melancólicos y serenos de New Jersey. Perfecto antídoto para ampulosos crescendos y afectaciones emocionales. Cadenitas de guitarras barridas por la brisa. En el vídeo de abajo, voces congeladas en el mismo frigorífico que las de “I wanna be adored”. Vamos, me da la impresión.

The men - Leave Home

Crujidos, chirridos, berridos, barridos, zumbidos y riffs. Del indie a velocidad de crucero al punk monolítico de mandíbula floja, pasando por el art-rock de riffs gordos. Un abanico de masculinidades que en directo hasta apesta a sudor. En esta casa les tenemos ley. Y tenemos documentos que lo acreditan.

Pablo Und Destruktion en el Liceo Mutante (06-01-2012)

2012-01-08T00:31:00.001Z

Ha venido Pablo a nuestra asociación, que es lo puto mejor, etc., y a mí personalmente me ha dado fuerte con él. Me advirtieron que sería una especie de Bunbury avant-garde, pero yo fui valiente y abrí mi corazón; dejé que entrara la serpiente.

Pablo es un gijonés misterioso, amante del ritual y del western psicodélico como forma de vida. Antes era Silencio Oso. También a la cabeza de Pauken, dando cobijo, entre otros, a Vale Tudo, muy de deshacerse en arenisca existencial. Es una familia de aventureros raros, primos no muy lejanos de mis admiradísimos (en pie) Kiev Cuando Nieva. El arte contemporáneo bueno. El otro no.

Como todo arte contemporáneo, tendrá sus más y sus menos con los guardianes del fuego. Pero eso no tiene remedio y me parece que contribuye al equilibrio universal. El día en que el torrencial y tonificante “Extranjera”, que asoma aquí abajo, suene en los botellones de la facultad de económicas, algo serio pasará. Serio en plan banca pública, humanos mascota o tormenta de luz.

Hacedme caso. Pablo es un dandy de la jota suicida. Un indígena en trance, inmune a la vergüenza ajena. El pavo que resuelve el enigma. ¿Somos humanos o bailarines? Ambos, hostia.

2012-01-05T23:55:00.000Z

Este es el último calentamiento antes de LA LISTA. Dios, no veo el momento de atizaros con mi criterio ombliguista, esnob y falsamente ecléctico.

Ahora lo que va es un breve comentario sobre las cosas que estaba escuchando antes de venirme a Galicia por Navidades, que aquí sólo escucho a Los Planetas, últimamente. Las cosas que aún no he acabado de digerir pero a las que me gustaría referirme un momento. Luego irán los discos que me han sorprendido y los que han cumplido mis (buenas) expectativas. Al final, los 4 o 5 que he considerado merecedores de mi olimpo 2011. Son tres estaciones de un via crucis gafapasta y digital muy poco devocionado en Andalucía. Va.

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He vuelto en metro a casa por la noche, varias veces ya, escuchando el último de Oneohtrix Point Never. Replica. Esos loops y esas texturillas realmente se filtran en tus neuronas mientras ajustas free kicks a la escuadra en el Pro Evolution 12 para móvil. Ahora mismo me está dando un mal cuerpo espantoso, como de pesadilla, al poner de nuevo algunos temas. Creo que es porque me recuerdan a Willesden Green, de noche, en metro. Y ahora estoy en Pontevedra. Aquí va, además, el que yo considero mejor vídeo del año. Joderse.

El Pain is a Warning, de Today is The Day, suena como una ametralladora. Lo ha grabado Kurt Ballou, el oso vividor de El Libro de la Selva y guitarrista de los supremos Converge. Así que a lo retorcido, agobiante y enfermizo del grupo de (en pie) Steve Austin le añadís las piernas de Roberto Carlos y los brazos de Rafa Nadal y ya lo tenéis. Quizá haya perdido un poco del encanto y la rabia del perro pobre, pero temas como el “Wheelin’” este que os deposito abajo conservan el arte de tocar música como si de dar latigazos a un banquero se tratara.

Josh T. Pearson es un vaquero atormentado con muchísimo pelo. Antes tenía una banda llamada Lift to Experience. A mí líricamente no me convence demasiado, lo veo pelín efectista de más. Pero claro, se ve que su historial sentimental da para versos tan redonditos como “and when I said I’d give my life, I weren’t talking suicide”. En fin, no quiero ponerme escrupuloso, tampoco. El tío tiene presencia y está muy inspirado. Se aprecia en la manera de acercarse a los temas solísimo, con sus arreglos de silencio y su solemnidad en plan Jeff Buckley country, que no es una solemnidad cualquiera. Se dejan querer, esas canciones. Parece que salen de la guitarra como salen las viejas estrellas de cine de las limusinas, los días de estreno. Digo yo que será porque son buenas. Su disco se llama Last of the Country Gentlemen y por lo menos en el "indie" oficial londinense ha tenido mucho nombre.

Lisabö, que son probablemente el grupo español (no he sabido si ponerle comillas a eso) más respetado internacionalmente en los circuitos del rock intelectual (otra vez, ¿comillas?), han vuelto este año con otra entrega de eso que hacen tan bien. Tensión máxima, energías luchando por liberarse, tuercas del submarino a punto de salir disparadas y grito por el malestar de la condición humana elevándose hacia el vacío existencial. Por el amor de Dios, si el disco se llama “El pozo de los animales avergonzados” (en el original, en vasco, “Animalia lotsatuen putzua”), qué esperabais? Power pop? Aquí una crítica más detallada por uno de mis hombres de confianza.

Aquí, con intensidad

Fleet Foxes y Bonnie "Prince" Billy. Discurso de las canciones

2011-12-27T02:23:00.010Z

Estoy preparando mi resumen de lo mejor del año. Es un momento trascendental. El callejón en el que los blogueros se citan con navajas. Las vísceras me están arrastrando más allá de las 5 páginas, pero sé que nadie se va a tragar tanta hipérbole y tanta metáfora disparatada junta. Es un placer, en cualquier caso, volver sobre las cosas buenas, ordenarlas, comentarlas y compartirlas.

Aparte de discos, a la larga, uno se encuentra con los criterios que hacen que unos SI y otros NO. Últimamente pienso bastante en Fleet Foxes y en Bonnie "Prince" Billy. Consciente de que son estilos distintos y de que, como todo, aunque sean comparables, esas comparaciones no tienen mayor interés, me gustaría dejarme escrito para el futuro el porqué de mi amor incondicional y monolítico por Will Oldham y mi relativa indiferencia hacia la poética de Robin Pecknold y sus amigos. Partiendo de la base de que esta inclinación no responde sólo a la profundidad y longitud de sus respectivas carreras, que entonces la cosa ya sería más obvia.

La indiferencia hacia Fleet Foxes es relativa porque solamente con este segundo disco, que a priori parece tan bueno como el primero, he perdido el interés. Los he visto en directo y la experiencia fue fantástica. Todo perfecto. Además, 15 minutos después empezó el Barça-Manchester de la final de Champions 2011. Pedí a gritos un himno de la Champions que sólo ellos, de entre todos los artistas del festival, podrían haber clavado (ni puto caso, obviamente). Robin Pecknold es el hombre caucásico de mirada limpia cuya tendencia matemática a la perfección me asusta y me da dolor de cabeza. Comparado con Will Oldham, al cual le puedes incluso adivinar olor a pies, diabetes y ronquidos, además de las más obvias calvicie y fealdad espectacular, Robin Pecknold es un elfo avezado en ensaladas y masajes.

Escuchando sus últimos discos, ninguno de los cuales está entre mis favoritos del año, sensaciones contrarias me sobrevienen. Olas del mar, perfumes (ficticios) orientales y "work ethics" ultrayanki por el lado elfo. Aburrimiento previo a siesta, tapetes de ganchillo y sabiduría folk infinita para el humanísimo. Fleet Foxes reafirman su capacidad para rellenar los huecos entre Simon & Garfunkel (ñoño y con puntería para corazones en masa) y, no sé, Crosby, Stills, Nash and Young (más de culto y "auténtico") a la vez que construyen los temas con ambición spectoriana, así suenan de imponentes y brillantes. En sus letras se ha colado una anécdota algo más concreta y definida, que da luz a un discurso que era algo menos concreto en su primer (imponente) disco. En concreto, en uno de los temas más alabados del "Helplessness Blues", precisamente el que le da título, encuentro una confesión que me produce rechazo y que, además, reconozco en otros artistas parecidos. Primero deja caer una estrofa que parece el principio de una película Disney. Aquí os la dejo:

I was raised up believing I was somehow unique
Like a snowflake distinct among snowflakes, unique in each way you can see
And now after some thinking, I'd say I'd rather be
A functioning cog in some great machinery serving something beyond me.

En este caso, el apuesto joven protagonista, tras leer un par de retorcidos libros europeos, decide abandonar sus estudios de Económicas en Harvard y rechazar así explícitamente las riendas del negocio familiar: una multinacional de telecomunicaciones. Por si no quedaba claro, la canción prácticamente termina con un majestuosamente arropado “If I had an orchard, I'd work till I'm sore“, repetido como en epifanía religiosa. El cómo acaba la película ya os lo montáis vosotros. Lo que a mí más me inquieta es que esto no es una expresión aislada. Es una tendencia (menor, supongo) del rock “universitario” americano. Recuerdo un tema de los no tan diferentes Midlake en el que suspiraban por un “día de trabajo honesto y un tejado sin goteras” para tenerlos satisfechos. El contexto de la canción (“Head Home”) es, también, el de la granja idealizada y el trabajo manual sanador.

No es que esto me parezca malo en sí mismo. Casi el descubrimiento de que existe algún tipo de idea colectiva, precisamente dentro de un ámbito de clase (media)alta, que, al fin y al cabo, es el único que puede idealizar el trabajo manual, es lo que me produce rechazo. Quizá es la mera noción de un folk-rock pijo. O quizá que yo espero reafirmación, orgullo o algún otro rasgo distintivo (frivolidad?) de tal subgénero. Le he estado dando muchas vueltas a eso últimamente.

Por otra parte, Will Oldham, que cada vez hace unos discos más aburridos y con menos aristas, yo intuyo que para desprenderse de admiradores como yo, que adoraban al poeta paleto y sacrílego, mal cantante (mentira) y de presencia turbadora, sigue dejando caer croquetillas entre arreglos de elegancia tradicional. En este último, una pareja que, misteriosamente, vive en una casa con goteras, canta, obviamente sin ninguna grandiosidad, sobre cómo algún día sus barrigas vacías se llenarán de perdices.

No sé, me parece curioso todo esto. La elección de la anécdota, el tono y la idea de belleza en cada canción. Y hasta qué punto todo esto condiciona (sea mucho o sea poco) la manera de escuchar música que tengo.

Cass McCombs - Humor Risk

2011-12-19T11:45:00.001Z

Cass McCombs odia dar entrevistas. Lleva más de una década girando por el mundo, sin domicilio fijo, mirando al sol, poniendo cara de chino, vistiendo raro (el dobladillo del pantalón y el calzado en este vídeo) (gran tema, por cierto) y este año ha llegado tan cargado de discusiones filosóficas, nihilismo sentimental y polvo de la carretera que se ha hecho dos discos enormes en menos de 12 meses, supongo que para compensar por la tormenta de mierda que ha asolado el mundo este año.

El primero fue sublime. Discurría del soul crepuscular más perfecto a la canción folk-río que se canta a sí misma, que más que un género es una medalla al mérito por toda una carrera, y yo mismo le hice un mapita y lo mandé aquí. El segundo es muy bueno también.

En Humor Risk, el ermitaño de Wit’s End sale de la cueva para ensayar con los amigos. El disco, inevitablemente, le sale más “viril”, con riffs de guitarra y distorsión rockera. Entre los Kinks de Dave Davies y los Grateful Dead, pero con menos entusiasmo. Más trotón, aunque todavía grave en su tendencia a reflexionar sobre la belleza y la muerte, el disco aminora hasta casi detenerse en “To every man his chimera”, que parece un guión de Nick Cave al que le hayan recortado los momentos truculentos, y en “Meet me at the mannequin gallery” aprovecha la inercia que llevaba para dejar un último contoneo sensual (aunque de letra inquietante como una historia de Edgar Allan Poe) antes del último bellísimo esbozo de “Mariah”, una demo candorosa en la que rima “Mariah” (maraiah) con “fire” (faiah). Encantador.

Aquí abajo, single monumental:

The Men (The Shacklewell Arms, 14/12/2011)

2011-12-16T22:18:00.004Z

Dalston, en Hackney, al este-pelín-norte de Londres es el lugar al que se refiere la gente cuando dice “Londres” en frases como “Mi primo es un moderno. Vive en Londres”. Gran densidad de población artística, buen ratio pollo frito/persona y mucho concierto avant-art-lo-fi-wave. El peinado del lugar es el tupé-pero-rapado-por-abajo y el equipo de fútbol favorito es el jajaajajajajaja.

Allá fuimos, al Shacklewell Arms, el lugar donde el mismísimo Faris Badwan de The Horrors pinchará en fin de año, a ver a los neoyorkinos The Men. El sitio en cuestión es un pub de los de toda la vida con una discoteca noventera de pueblo adosada. Allí descargaron electricidad humeante Los Hombres y allí registré para vosotros este documental sobre cómo ver un concierto literalmente sobre el no-escenario y que no venga ningún no-gorila a reubicarte. Underground punk empresarios 4evah!!

Esta canción se llama como mi filósofo favorito, el ideólogo del placer que duele (junto con Santa Teresa de Jesús), de la violencia, la pornografía y el mal como placeres estéticos: (Georges) Bataille. Cuando salió su disco escupido favorablemente por la maquinaria forera del Primavera Sound pensé: “Joder, qué bien cuidados los diseños de Sacred Bones”(el sello en el que sacan sus discos) y luego, “debe ser cosa fina, por las referencias que dejan caer” y después ya encontré ese tema y, bueno, amor eterno y tal.

El asunto es una catarata de riffs, con la intensidad como denominador común y un eclecticismo que quizá los lastre un poco si no se fabrican uno propio pronto. Riffs rollo Stooges, riffs rollo Sonic Youth, riffs pesados/arty (“If you leave...” me recuerda a Oneida), etc. Todos muy buenos, pero todos ajenos. En este concierto (y pese a lo que diga Yela Hoerner) sonaron muchos temas de base más indie-galope, con bajo distorsionado y punteos en plan Dinosaur Junior, con voces perseguidas por jaurías salvajes (ojo que uno de los guitarras se llama Mark Perro) como las de Hüsker Dü.

Allí sonó todo prieto y a gran velocidad. Los combos de guitarra nos peinaban los cabellos y la sala entera se frotaba, unos contra otros, como quien se frota las manos para entrar en calor. Pena de cables flojos, rotura de cuerdas y zarandeo de batería, que les hizo derrapar un poco en varios momentos. Pero, bah, sin derrapes tampoco sería lo mismo.

Every Time I Die + Trash Talk (Electric Ballroom, 30/11/11)

2011-12-15T17:39:00.003Z

Hace dos miércoles fuimos a ver si nos partían la cara a Camden, al concierto de ETID. Lo organizaba la Rocksound y, como era de esperar, la sala (el mítico y septuagenario Electric Ballroom) estaba a reventar de jóvenes emo pero con algunos adultos (muy adultos) por el medio, realmente entusiasmados y dispuestos a dejarse llevar en los rituales de canalización de violencia física que el hardcore nos proporciona para mantenernos cuerdos y tranquilos. Es una cosa digna de ver, un recital de estos. El Resurrection en Viveiro es un evento espectacular, a nivel europeo, incluso. A mí me fascina ver cómo se construyen las rutinas de estos conciertos, cómo cada asistente asume un rol activo (zurrarse) o pasivo (ver el concierto/recibir algún impacto rebotado de la otra sección) y cómo se improvisan estas coreografías y los códigos de comportamiento que se siguen. Se utilizan los cuerpos para crear esa fricción que calienta los conciertos, pero no de cualquier manera. Hay un código; la violencia se aplica con la multitud, nunca a nivel personal, por ejemplo. Pero resulta hipnótica la visión de estos remolinos y la negociación de estos tortazos, siempre cerca de pasar de baile a pelea. Por eso me suele molestar cuando algún miembro de la banda sobre el escenario se dedica a coordinar el combate como si se tratara de un baile-ejercicio de gimnasia. De aquellos que se hacían al ritmo de “I saw the Sign”, de Ace of Base. Esto lastró la ya de por sí deslavazada actuación de Trash Talk, que, por otra parte, suena colosal y desesperada cuando mantiene el ritmo durante más de dos minutos. En esos extraños momentos de ascensión espinosa, alcanzan hasta un 8.5 en la escala Converge de dolor placentero. Aquí un vídeo de gran calidad que han posteado, por alguna razón que se me escapa, en la Pitchfork.

Los cabezas de cartel, ETID, son un grupo muy americano y muy profesional. Tienen ese aire de perfección a través de repeticiones inacabables y de tablas eternas hasta cuando el guitarrista que se parece a Hulk Hogan escupe y recoge del aire el escupitajo pródigo, con la boca. El rock les sale natural, crece en los prados cerca de las cataratas del Niagara, donde correteaban estos de niños. El hardcore neoyorkino los pilló viendo pelis malas y comiendo pizza, a pocas millas. La grasa inherente les ha hecho infectos y sabrosones donde otros sólo son machacas parvularios. Vamos a obviar la tendencia al gemido emopunk. Es un gran grupo masculino y de amistad. Como un pedo en una tienda de campaña. Y su concierto fue como una ruleta de la fortuna con manos abiertas en lugar de premios. Ellos la accionaron vehementemente y, a la altura del bis con "Floater", yo ya estaba empapado en sudor ajeno y con un dígito menos en mi reloj Casio. En serio, me lo borraron a mamporros.

** Así empezó lo de ETID. Cortesía de krisKM. Menos da una piedra**

Iceage – 6 de diciembre – Corsica Studios

2011-12-13T12:02:00.001Z

Iceage son el grupo de instituto que todo joven intenso soñó con tener. Un pelín más hardcore oldschool que pospunk (eso pareció en directo), pero al circuito indie, mucho más receptivo a los exabruptos de raíz británica que a los de raíz americana, le han caído en gracia y de su mano han girado ya por todo el mundo. Y no sé a quién le habrán comprado los carnés falsos, pero por la pinta esta gente no es mayor de edad ni de broma. Son Parchís tocando versiones de Wire y Minor Threat. En la banda están el bajista guapete y moderno de clase, el guitarrista de melena, regordete y amante de los juegos de rol, el batería buen chaval que jugaba al balonmano de extremo y el cantante, líder, con tendencia al abandono, facilidad para el magnetismo de mirada torva y, probablemente, talento para la música.

**Foto de Mino Tristovskij, en Corsica**

Tocaban en Corsica Studios, una sala pequeña pero de escenario alto, escondida en los arcos de una de las vías del tren que corta Londres en mil pedacitos, a la altura de Elephant and Castle, al sur del centro. Empezaron con el que, para mí, es su mejor tema, “White Rune”, pero, como ya me temía, en directo no son capaces de canalizar esa magnifica energía que emite el cambio de pequeño caos ruidista a tu-pá-tutu-pá hardcore que tiene la canción en el estribillo. Luego el conjunto fue subiendo, el público se fue animando y a la altura de “You’re Blessed” la conexión fue total, el pogo juvenil se desató y todo me pareció inocencia, hermandad y nobleza. El concierto duró 27 minutos. Aquí un vídeo de hace unos meses, tocando en la mítica tienda de discos Amoeba Records.

John Maus + Gary War + Maria Minerva (Tufnell Park Dome, London, 17/11/11)

2011-12-12T17:38:00.002Z

Vivo en Londres y a veces me entra la angustia de no participar en el movimiento, el zeitgeist, la onda, la mandanga, etc. A efectos sociales vivo en Londres como si viviera en una torre en el mar a dos kilómetros frente a la Mariña Lucense. Así que de vez en cuando intento conectarme a mis hermanos hipsters y participar de la escenificación de los blogs de tendencias que es la noche londinense.

El pasado 17 de noviembre fui a un concierto clave en materia de tendencias de la música popular contemporánea. Los artistas, todos ellos solitarios y, aparentemente, con un gran mundo interior, eran Maria Minerva, Gary War y John Maus. El lugar escogido fue una especie de sala gigante con aires de gimnasio americano donde se celebra el baile de fin de curso y al final Carrie acaba montándola muchísimo. Cerca de Highgate, centro-norte de la ciudad.

Vi bastantes tupés y bastantes shorts con gruesas medias por debajo. Estimé en un 85% la proporción del público dedicado a las artes gráficas. Sobre el escenario nadie tocó un instrumento. Se pulsaron teclas y se pisaron pedales, eso sí. La tendencia musical a la que hacía referencia antes es esa encajada entre los ángulos del chill-wave, el glo-fi o el quizá más amplio pop hipnagógico (pilla!). A nadie le gustan estas etiquetas, supongo. Lo de hipnagógico viene de una definición dada por uno de los colaboradores de la prestigiosa y cerebral revista británica The Wire (no confundir con la mejor serie de televisión jamás parida), y que venía a ser algo así como un sonido que viene de los ochenta pero producido por una generación que lo vivió en la infancia y que lo recuerda entre brumas de sueño, quizá pegado a las paredes del subconsciente. Y así lo refleja, de cacofónico, zozobrante, inquietante y misterioso. Como una ráfaga de música de telediario de hace 20 años que marcaba la hora en la que había que irse a preparar para volver al colegio. Así lo entiendo yo, vaya. Ariel Pink, James Ferraro o Rangers son algunos de los adalides del flash descolorido del pasado como estética. Otros tres serían, con mayor o menor rigurosidad genérica, los protagonistas de este post que ya estoy viendo que se me va a ir de las manos, en cuanto a longitud.

Maria Minerva, eslovena de nacimiento pero del este de Londres por antonomasia, puso un portátil sobre el atril del escenario y nos dio una conferencia sobre cómo hacer música sugerente, sensual y fría al mismo tiempo, pero en chándal. Tiene canciones, la pava, y me da la impresión de que podría exprimirlas mucho más con su maravillosa presencia báltica. Aquí un vídeo para hacerse una idea:

De Gary War había leído cosas bellas, pero después sobre el escenario me pareció un tostón espectacular, sin una canción realmente decente que ofrecer. Quizá influyera que portaba una gloriosa guitarra Rickenbacker que él rasgaba y rasgaba, pero que no sonó ni remotamente en ningún momento. Yo estaba en primera fila, pegado a los monitores, y si realmente esa guitarra emitió algún sonido, válgame, sólo los que estaban charlando al fondo lo escucharon. Por lo demás, todo fueron temas synth-wave trotones con voces ahogadas en delay y sin un sólo gancho al que podernos asir. Como Blank Dogs, pero con menos puntería. De este no pongo enlace, que me dio mucha rabia.

El concierto de John Maus, como siempre con él, fue un Karaoke engorilado y engorilante, con las pistas pregrabadas sonando de fondo y él gritando encima, con delay en la voz. Y nada más. A mí me gusta mucho John Maus, principalmente porque hace unas canciones estupendas. Puede tener todo el arqueo de ceja, la distancia, la ironía y el cinismo que quiera (si es que realmente lo tiene, yo he visto entrevistas, lo he visto a él, y no me lo parece), pero sus canciones son perfectamente asimilables, melódicas, con sus estribillos y sus cosas. Y a mí, más que por ser normales, me gustan, reitero, porque creo que son muy buenas y tienen un encanto muy particular. Una salmodia oscura mucho más Type O Negative que Joy Division, unos bajos robustos pospunk (estos sí más joydivisivos) y unos teclados a chorro pero en cenefas barrocas, muy sacro y muy perro. Sus letras son simples, pelín surrealistas a veces (the city of night is the city of fools/travel in the horse that he rides to school, en “Maniac”) y componen un discurso para nada frívolo, con picas en los derechos sociales (Rights for gays, oh yeah/And medical care for everyone), el gusto por la anarquía salvaje (“Cop Killer”), la religión (un poco todo su proyecto, especialmente en “Tenebrae” y “Believer”) y la crítica de la obsesión por el sexo (“Don’t be a body” : Sex with car/Sex on top of car/Sex inside of car/Sex with movie star/Sex with Ringo Starr) entre muchas otras. El tío es un filósofo, vaya. No, en serio. Es profesor y está haciendo su tesis en filosofía política. Se lo flipa con Alain Badiou.

**Este vídeo, cortesía de thedatacollective, es del evento este. La cabeza castaña y repeinada que se agita en primera fila es la mía.**

**Esta la saqué yo en la tienda Rough Trade East, a la hora de comer. Afortunadamente pude verlo (gratis) y llegar a tiempo para ver Gilmore Girls**

La primera vez que lo vi, en Barcelona en el 2009, estábamos unos cuantos admiradores devotos y respetuosos, yo salgo medio en éxtasis en una foto (abajo, soy el del polo del Everton). La segunda vez fue en una tienda de discos a la una del mediodía. Los defensores de la buena música popular estaban trabajando o comiendo. La tercera vez es la que viene a cuento. El apoteosis hip de las artes escénicas. En Londres la gente estaba al tanto y lo recibió como a un mesías primitivo, respondiendo con gritos y afectación religiosa a los gritos y la afectación religiosa de Maus. La fuerza que tiene el asunto es que sale el ecce homo este sólo al escenario y se vuelve loco. No hay una actuación musical, aparentemente (¿?). Es un desequilibrado que grita y hace karaoke, en este punto estamos de acuerdo defensores y detractores. Digo lo de detractores porque, oh! sorpresa! a su paso por Madrid algunos de los asistente abuchearon y hasta tiraron algún objeto (liviano) al escenario. Ellos habían votado por Barrabás.

** Esta foto es del flicker de alguien. La cogí hace dos años cuando me vi ahí en comunión suprasensorial, pero no recuerdo el nombre del fotógrafo. Hey, si eres tú házmelo saber!!**

Hey

2011-12-11T22:41:00.005Z

Parece ser que desperdicio una cantidad de tiempo espectacular escuchando, pensando y escribiendo sobre música. Así que he decidido abrirme esta plataforma imperial para tenerlo todo junto y aireado, por lo menos. Normalmente me desahogo en mi diario personal, donde me desnudo en cuerpo y alma y detallo dónde compro los sándwiches y qué líneas de bus me conozco mejor. Limitándome a este año 2011, en lo que se refiere a música, he comentado nimiedades allí sobre:

Mejores discos del 2010

Mejores discos del 2010 2

The Walkmen - Lisbon

Anika

Destroyer - Kaputt

Recopilatorio Políglota

Today is the Day

Primavera Sound 2011

Instructor Mundial

EyeHateGod/Amor de Días

Le Hajduk Split (Marrones Burócratas + Los Collares de Perlas)

Envy / Silver Apples

A partir de ahora subiré críticas, crónicas, comentarios y colaboraciones sobre música a este nuevo paraíso digital. Aún estamos adecentándolo. Unos tapetitos de ganchillo digitales? Alguien?